Aquí os dejo 5 películas cuyas canciones me traen muchísimos recuerdos y que son excelentes composiciones musicales. Si quieren más solo tienen que pedirlo.
Noches de sol (White Nights, Estados Unidos – 1985)
La película noches de sol es notable tanto por el baile de Hines y Baryshnikov como por el óscar de la Academia a la canción Say You, Say Me de Lionel Richie, así como la nominación del tema principal Separate Lives, interpretada por Phil Collins y Marilyn Martin y escrita por Stephen Bishop (quién gano en 1987 con esta canción un premio de la BMI Film & TV Awards). Además del óscar a la mejor canción original, Say You, Say Me obtuvo el Globo de Oro en la misma categoría mientras que Separate Lives llegó a la cima de la lista de sencillos de la Billboard Hot 100.
Como dato curioso cabe destacar que en el disco de la banda sonora original de la película no fue incluída la canción de Lionel Richie pese a haber sido la que obtuvo ambos premios. Aquí os dejo un vídeo de la canción:
Mentes peligrosas (Dangerous Minds, Estados Unidos – 1995)
Gangsta's Paradise es una canción de rap de Coolio con LV para la película Mentes Peligrosas. La canción fue lanzada más adelante en los álbumes Gangsta's Paradise y la banda sonora de la película en 1995. Coolio fue galardonado con un Grammy por la canción y el álbum. La canción fue votada por los críticos como el mejor single del año en el Village Voice Pazz & Jop, fue incluida también en el Billboard's Greatest Songs of All-Time con la posición 69 y es el single más vendido de 1995 en EE.UU. En 2008, ocupó el número 38 en VH1 entre las 100 mejores canciones de Hip Hop.
Nueve semanas y media (Nine 1/2 Weeks, Estados Unidos – 1986)
Aunque el tema principal de la banda sonora de 9 semanas y media es I Do What I Do interpretado por Duran Duran, el más recordado de esta película es You Can Leave Your Hat On. La canción, escrita por Randy Newman e incluida en su álbum de 1972 Sail Away, se hizo famosa al ser interpretada por Joe Cocker en esta película durante la escena del famoso strip-tease de Kim Basinger. La canción apareció por primera vez en su álbum de 1986 titulado Cocker.
Flashdance (Estados Unidos – 1983)
Flashdance … What a feeling es una canción de la película Flashdance, escrita por Giorgio Moroder, Keith Forsey e Irene Cara, interpretado en el filme por esta última. Además de estar a la cabeza en la lista Billboard Hot 100 y ganar un disco de platino en 1983, Flashdance … What a Feeling ganó el Oscar a la Mejor Canción Original y el Premio Globo de Oro a la Mejor Canción Original en 1984. A pesar del título, la palabra "Flashdance" nunca se usa en la letra de la canción.
Carros de fuego (Chariots of Fire, Reino Unido – 1981)
Chariots of Fire es un tema instrumental escrito y grabado por Vangelis para la banda sonora de la película Carros de Fuego. La grabación ha sido versionada por numerosos músicos y utilizado como tema musical de varios programas de televisión y eventos deportivos. En el álbum de la banda sonora de la película, la pieza se llama Titles debido a su uso en la secuencia de apertura de los titulos de la película, pero llegó a ser conocido ampliamente como Chariots of Fire. Según Allmusic, el título de la pista fue listado como Chariots of Fire – Titles en los EE.UU. Billboard Hot 100, y simplemente como Chariots of Fire en la lista de Adult Contemporary. Cuando el sencillo debutó en el # 94 en el Billboard Hot 100 durante la semana que finalizó el 12 de diciembre 1981, era conocido simplemente como Titles. Siete semanas más tarde, cuando se trasladó a # 68 del Hot 100 de fecha 30 de enero 1982, el sencillo fue incluido como Chariots of Fire y se quedó con ese nombre por el resto de su carrera de éxitos.
Greta Lovisa Gustafsson fue una actriz de cine sueca. Nacida en Södermalm, un barrio humilde de Estocolmo. Bajo su nombre artístico Greta Garbo, se convirtió en el principal mito (no confundir con mito erótico) del Séptimo Arte. Su rostro aún es considerado como el más perfecto que ha dado el cine y su precoz retiro contribuyó a engrandecer la leyenda de la Garbo.
El Instituto de Cine Americano (American Film Institute) la considera entre las cinco mejores estrellas en toda la historia del cine y en 1950 fue elegida como la mejor actriz de la primera mitad del siglo veinte. Pese a sus 3 nominaciones a los Oscars por sus papeles en Romance (1930), Anna Christie (1931) y Ninotchka (1939), no fue hasta 1955 cuando la academia le otorgó una estatuilla honoraria por sus ‘actuaciones inolvidables en pantalla’.
Fue conocida como La divina y La mujer que no ríe, este último apodo debido al rictus serio de su rostro y los papeles tan dramáticos que hasta 1939 había interpretado, fama sólo interrumpida por una escena de su memorable filme Ninotchka donde suelta sorpresivamente una carcajada. Esta excepción hizo correr ríos de tinta en los periódicos con el titular ¡Garbo Ríe! e incluso la película fue presentada bajo ese mismo eslogan.
Su vida siempre rodeada de misterio y múltiples preguntas que jamás respondió. Se retiró a la temprana edad de 36 años para evitar que su público la viera envejecer. Este enigmático comportamiento y su pertinaz soltería dieron pie a múltiples rumores acerca de su bisexualidad (entre ellos el de ser amante de la actriz mexicana Dolores del Río y la escritora Mercedes de Acosta).
También fue sospechosa su distante relación con otra gran mujer fatal, Marlene Dietrich; relación en la que ambas fingieron no conocerse hasta que las presentó Orson Welles en 1945, revelándose luego que habían trabajado juntas en una película muda en 1925, siendo muy jóvenes ambas, y que tuvieron una breve relación.
Mientras algunos decían que la Garbo era una devoradora de hombres otros aseguran que en pertenecía a un círculo lésbico donde la bisexualidad se aceptaba con total normalidad.
Su corta pero intensa vida cinematográfica dejó un legado de 32 largometrajes, el último de ellos La mujer de las dos caras (Two-Face Woman) en 1941. Pasó de Suecia a Hollywood y del cine mudo al cine sonoro. Tuvo papeles memorables como una gran femme fatale en El demonio y la carne (Flesh and the devil) de 1926 y como Mata Hari en 1931.
Su última entrevista fue tan breve como letal y cortante: el periodista empezó diciendo «Yo me pregunto…» y ella le interrumpió y se marchó diciendo «¿Por qué preguntarse?».
Greta Garbo fue asociada a la frase «Quiero estar sola», si bien ella precisó: «Quise decir que me dejen en paz, lo que es diferente».
El sexo puede ser arte, dependiendo de la época, las creencias de cada uno y de cómo se trate el tema. La fina línea que separa lo pornográfico de lo erótico, o del arte y la basura, es un tema que muchos han defendido y condenado a partes iguales durante décadas.
El cine pornográfico mexicano realizado entre los años 1910 y 1940, por citar un ejemplo, puede ser considerado objeto de culto. Esta filmografía es un gran patrimonio que representa parte de la historia fílmica mexicana y es un excelente documento de los lenguajes de coacción y emancipación en un momento histórico concreto, así como la representación de las fantasías sexuales de los mexicanos que vivieron en esos años.
En su origen estos cortos (pues no llegaban ni a largometrajes) se proyectaron en prostíbulos o en cines clandestinos en sesiones underground exclusivas para hombres.
La filmoteca de la Universidad Nacional Autonómica de México ha logrado recuperar cerca de 35 cortometrajes pornográficos mexicanos, realizados durante la primera mitad del siglo XX, los cuales se caracterizan por exhibir relaciones homosexuales, necrofílicas y hasta zoofílicas.
Una película de los años 30 titulada Rin Tin Tín muestra un perrito amaestrado teniendo relaciones con una actriz. Mientras, en el filme Las muchachas —producida a finales de los años 20— se ve durante los 10 minutos que dura, a dos mujeres teniendo relaciones sexuales.
Aunque parezcan producciones aleatorias estas cintas porno no eran filmaciones totalmente aisladas, sino que hay ocasiones en los que una misma persona o animal, aparece en varias. Algunas cintas muestran créditos prolíferos en doble sentido e incluso dibujos sexuales que buscaban divertir al público.
Esta incipiente pornografía mexicana se caracteriza por ser más que simple pues puede considerarse una crítica a la Iglesia y a los clérigos, caracterizados siempre en estas historias por estar inmiscuidos en relaciones sexuales, como en El monje loco, La luna de miel o El sueño de fray Vergazo, perteneciente este último a la orden de San Prepucio.
Algunas de estas producciones mencionan como su director a José Boquitas de la Corona o en el caso de El monje loco al director Agapito Vélez Ovando. Por norma general no son conocidos muchos detalles de la producción de estos filmes y su tono pícaro se extiende hasta en los nombres de las productoras pues en una de las cintas aparece dibujado un enorme pene con la leyenda ‘Compañía cinematográfica Pelada y repelada’.
Solo me falta reseñar que algunos autores pretenden definir este ciclo de películas como erótico lo cual es un error tremendo, estas películas muestran explícitamente relaciones sexuales de todo tipo, sin dobles ni trucos de cámara, no son películas eróticas y si pertenecen a la rama hardcore de la pornografía.
La creatividad, el erotismo, la censura y la ruptura de convencionalismos en el séptimo arte no están solo asociados a los largometrajes, como complemento de los filmes existen cortos muy polémicos e incluso dibujos animados que en su época, y aún hoy en día, son fuente de gran controversia social.
Buscando un poco en la historia del cine el 21 de julio de 1896, en Canadá se estrenó un cortometraje (de 1 minuto de duración) muy particular. El recién inventado cinematógrafo apenas había visto la luz meses antes y ya causaba el primer debate. Este día fue presentado el encargo del productor T. A. Edison al director americano William Heise, un pequeño filme llamado justamente The kiss (el beso) en el que se veía un beso apasionado entre los actores May Irwin y John Rice que duraba 15 segundos. Escena de la obra teatral La viuda de John McNally.
El espectáculo causó mucho alboroto entre los asistentes a la proyección y miembros de la prensa que fueron implacables con sus críticas. El diario local The Chap Book lo calificó como “absolutamente desagradable”.
Como veis esta proyección, totalmente normal en nuestros días, fue considerada un escándalo por la indecencia que mostraba y la sorprendente calidad de imagen que logró impresionar Edison en su celuloide, sobre todo teniendo en cuenta los defectos que tenían las cámaras fotográficas de la época.
Desde sus inicios el cine no tardó en llamar la atención por motivos más sociales que artísticos o científicos. Años más tarde, en 1907, Georges Méliès estrena el corto francés considerado como el pionero del homoerotismo llamado L´éclipse du soleil en pleine lune (El eclipse – El cortejo entre el sol y la luna). Las acusaciones de indecencia y el pequeño revuelo que causó el pase antecederían a todos los famosos y mediáticos escándalos que, en un breve futuro, llevarían a nombrar al cine como el reino de la nueva Babylonia.
Dejando a un lado los personajes reales tenemos los dibujos animados que, gracias a la creatividad de directores como Max y Dave Fleischer, nos trajeron personajes como la inigualable Betty Boop, famosa por ser el primer personaje de dibujos animados que representa completamente una mujer sexy.
A diferencia de otros personajes de la época Betty Boop revelaba a pleno su sexualidad. Llevaba vestido corto y liguero y enseñaba el escote el cual dejaba entrever su escote prominente. La sagacidad del guión era tal, que en sus caricaturas, otros personajes intentaban espiarla mientras se cambiaba.
En esa misma época, más concretamente en 1935, Friz Freleng estrenaba Mr. And Mrs. Is the Name que fue prohibido por exhibir unas sirenitas en topless.
La historia ha seguido su ritmo y algunas cosas que parecían escandalosas en aquella época ya no lo son tanto, por suerte para todos, pero la controversia y el debate siguen siendo tema de actualidad en este cine de nuestros días.
Sólo se vive una vez, pero si lo haces bien, una vez puede ser suficiente.
La autora de esta frase no es más que la sexy, guapa, inteligente, descarada, provocadora, irreverente Mary Jane West (más conocida por su nombre artístico Mae West), actriz y dramaturga estadounidense, famosa por su actitud provocativa y renegadora. Es considerada como el primer símbolo sexual (sex simbol en el inglés) y mujer fatal de la historia del séptimo arte. Por su propio carácter era la escenógrafa y guionista de sus interpretaciones, además de siempre elegir a sus compañeros de reparto (descubriendo al entonces desconocido Cary Grant).
De su vida privada y amorosa no sé sabe cuántos amantes pudo tener Mae West, pero sí que comenzó a actuar en el teatro musical a los cinco años y que al parecer, su madre, hizo todo lo posible por favorecer la natural promiscuidad de su hija. El envejecimiento no calmó sus ardores y reclamaba amantes diarios cumplidos ya los sesenta años. En su autobiografía Las diosas no saben qué hacer con él (1959) declaró haber tenido un amante, cuyo nombre era Ted, con el que hizo el amor durante quince horas seguidas.
Estas son algunas de las palabras que la describen y que la convirtieron en la chica mala del Hollywood de los años 30 y siguientes:
¿Para qué hacer sufrir a un hombre casándote con él cuando se puede hacer felices a muchos?
Con su cara traviesa, su cuerpo de formas contundentes, pero sobre todo, con su agudo ingenio y mordaz lengua, consiguió revolucionar a la beata sociedad norteamericana de entonces. Ella, la reina de la ironía y los dobles sentidos, fue capaz de inspirar a pintores como el español Salvador Dalí en su cuadro Retrato de Mae West que puede utilizarse como apartamento surrealista o a músicos como los Beatles para aparecer en la portada del legendario álbum Sargent Pepper's Lonely Hearts Club Band,
El sexo es como una partida de póquer: si no tienes una buena pareja, más vale que tengas una buena mano.
La sagaz creadora de la frase anterior escandalizo el panorama cinematográfico estadounidense con películas como:
Actuó incluso hasta 2 años antes de su muerte en 1980, su última película fue Seis maridos para Marlo (Sextette – 1978) en la que interpreta a Marlo Manners para la productora Crown International Pictures.
Puede que el sexo sea Pecado, pero sabe Divino.
Mas frases de Mae West
El cine erótico estadounidense nunca se ha caracterizado por ser muy bueno ni muy extenso, son muy contadas las producciones de Hollywood que puedan calificarse como eróticas, siempre le ha faltado la picardía del cine latinoamericano y la fuerza de romper con las convicciones sociales del cine europeo.
Aquí os dejo una muestra de una película por década entre 1986 y el 2001.
Nueve semanas y media (Nine 1/2 Weeks, Estados unidos – 1986)
Nueve semanas y media es una película estadounidense protagonizada por Kim Basinger, Mickey Rourke y dirigida por Adrian Lyne. Esta basada en la novela con el mismo nombre de Elizabeth McNeil. Es considerada un éxito incuestionable de taquilla aunque fue fuertemente criticada e incluso nominada a los Premios Razzie (Anti-Oscar) por el espíritu conservador que aun imperaba en el mundo del cine y que no admitía muchos de los planteamientos estéticos y de discurso subyacente de la trama. Con esta película Kim Basinger llego al estrellato pasando a ser el mito erótico de los 80 al igual que Rourke. Su baile de striptease es la escena más recordada, donde, al ritmo de la canción "You can leave your Hat On", de Joe Cocker, la actriz va desnudándose poco a poco.
Orquídea salvaje (Wild Orchid, Estados Unidos – 1990)
Esta película no es más que un intento de revitalizar el género erótico estadounidense que tiene como resultado una mala y aburrida historia que sólo consiguió el rechazo de la crítica para su trío protagonista y una aceptable taquilla, fruto del morbo de ver a la atractiva Jacqueline Bisset y a un Mickey Rourke en uno de sus peores papeles como actor. Se centra más bien en el erotismo, la seducción y la dominación de una joven abogada licenciada en derecho internacional que viaja por negocios al Brasil donde conocerá a un misterioso personaje que la introducirá en un mundo de fantasías eróticas.
Mulholland Drive (Francia | Estados Unidos – 2001)
Conocida como El camino de los sueños en Argentina y como Sueños, misterios y secretos en México, es una cinta del director norteamericano David Lynch. Esta película fue el resultado de un proyecto de serie televisiva para la cadena ABC que rechazó antes de su emisión. Canal+ Francia intervino permitiendo a David Lynch unos días más de rodaje para transformar el episodio en un largometraje. Lynch recibiría el premio al mejor director en el Festival de Cannes y una nominación al Oscar por este trabajo. El film supuso un empujón definitivo a la carrera de la actriz Naomi Watts.
Durante la década del 70 comienza a re aparecer en Europa un movimiento cinematográfico muy controvertido, el cine erótico o lo que algunos consideran el softcore europeo. Este género destaca por romper con las barreras sociales de la época tocando temas hasta ese momento considerados tabúes en el cine. Son películas controvertidas en demasía, mezclando el sexo con géneros como la comedia o el realismo.
Aquí os dejo una breve muestra de 4 películas europeas de cine erótico pertenecientes al softcore europeo, no he incluido películas españolas porque a ellas dedicaré otro especial.
Historia de O (Histoire d'O, Francia – 1975)
Historia de O del director francés Just Jaeckin es una película imprescindible para conocer los recovecos más oscuros del lívido, combina con gran precisión la finura y distinción de su realización con la crudeza y sexualidad de sus imágenes. Es muy polémica y ello le ha valido para convertirse en todo un clásico del cine erótico, no solo europeo sino mundial. Esta película marca un antes y un después en lo que se refiere al tratamiento en la pantalla de los límites del sexo y las relaciones sadomasoquistas.
Saló o los 120 días de Sodoma (Salò o le 120 giornate di Sodoma, Francia | Italia – 1975)
Es una película del poeta, ensayista, escritor y director de cine italiano Pier Paolo Pasolini, basada en el libro Los 120 días de Sodoma del Marqués de Sade. Como todas las películas de este género en la época, Saló es muy controvertida, las discusiones acerca de la legalidad de la misma duran hasta hoy día. Destaca su intrepidez al contemplar lo impensado pero es por otros condenada por ser poco más que una pretenciosa película de explotación.
Es una película fuertemente censurada y prohibida en varios países debido a su gráfico retrato de la violación, la tortura y el asesinato de personas que sospechosamente parecen menores de 18 años de edad. Fue prohibida en Australia en 1976, permitida en 1993 y re censurada en 1998.
Agent 69 Jensen (Dinamarca)
Las películas danesas conocidas como Tegn son muy remarcables en el género erótico por su magistral mezcla entre la comedia y la sexualidad. Son dos películas (Agent 69 in the Sign of Scorpio – 1977 y Agent 69 Jensen in the Sign of Sagittarius – 1978) dirigidas por el maestro del género, el director danés Werner Hedman, y protagonizadas por Anna Bergman como Penny y Ole Soltoft como el Agente 69 Jensen.
Malicia (Malizia, Italia – 1973)
Malicia es un clásico del cine erótico italiano ambientada en los años cincuenta y dirigida por Salvatore Samperi. En el papel protagónico encontramos al hito del cine italiano Laura Antonelli interpretando a Angela, una interina en un piso de Catania donde se reúnen muchas personas de luto por la muerte de la esposa del dueño de una próspera sastrería y padre de tres hijos varones. El viudo y los tres hijos pronto se acostumbran a los cuidados dulces y atentos de la nueva presencia femenina (Laura Antonelli), apreciando sobre todo sus formas generosas y sensuales que se entrevén debajo de sus vestidos ligeros.
Ya hemos visto en post anteriores una muestra de 5 películas del cine negro de Estados Unidos en la década del 40, en este artículo de hoy quiero hacer referencia al mismo tema (mujeres fatales) pero ampliando el espectro a las décadas del 30 y del 40 sin centrarme sólo en el cine negro o film noir. La selección de hoy incluye grandes actrices que han sabido representar muy bien el papel de mujer fatal y que han destacado en los siguientes títulos:
Greta Garbo en Mata Hari (Estados Unidos – 1931)
¿Quién mejor para interpretar a la famosa espía de la I Guerra Mundial Mata Hari que Greta Garbo, la enigmática, el exquisito icono cinematográfico que fue llamada la Esfinge Sueca? Garbo hipnotiza como la bailarina convertida en agente secreto para el bando alemán en un París en guerra que rebosa furia, secretos y traiciones.
¿Una ramera?, ¡Sí!, pero una traidora, ¡Jamás!
Marlene Dietrich en Siete Pecadores (Seven Sinners, Estados Unidos – 1940)
La cantante de cabaret Bijou Blanche (Marlene Dietrich), expulsada de varias islas del Océano Indico por suscitar peleas, recala en Boni Komba para trabajar en el Café Seven Sinners. Triunfa entre los marineros de la Armada de los EE.UU., especialmente con el Teniente Dan Brent (John Wayne). La belleza, elegancia e inteligencia de Marlene Dietrich en esta historia salva a esta película de ser un fracaso total, es una actriz que, metida en un argumento y una dirección de muy poco peso, enamora lo suficiente como para no sentir que has malgastado tu tiempo.
Bette Davis en Como ella sola (In This Our Life, Estados Unidos – 1942)
La galería de mujeres de poco fiar, de comportamiento endiabladamente rencoroso y envidiosas hasta la enfermedad que compuso Davis fue crucial en el desarrollo de su carrera. Antes del rodaje de Como ella sola, Bette Davis ya era una estrella. La historia se centra en una mujer que lleva a la ruina a quien pasa ante ella, acaba con el novio, roba el marido a su hermana, acaba envuelta en acusaciones que empiezan en el racismo y terminan en la muerte. John Huston no estaba demasiado convencido de la calidad de este guión, pero lo que le interesaba en realidad era aprovechar la oportunidad de trabajar junto a Bette Davis y Olivia de Havilland. A partir de esta película Davis consolidaría su trayectoria y empezaría a ser vista en Hollywood como una mujer de (mal) carácter, tanto como brillante actriz.
- Tú eres la medicina que yo necesito.
- Es que yo, mato o curo.
Joan Crawford en Amor que mata (Possessed, Estados Unidos – 1947)
El argumento de esta cinta entra de lleno en el tan explotado tema psicológico. La cinta tiene un magnífico principio, la creación del ambien te con planos en silencio, solamente con ruidos de fondo. Curtis Bernhardt se vea arrastrado por un guión con demasiados detalles clínicos del caso de la intérprete, que habrán de ser reiterativos a lo largo del film. Afortunadamente logra magníficos planos, realzados por el relieve interpretativo que le confiere el arte dramático de la perenne y cada vez superior Jean Crawford en el papel protagónico de Louise Howell.
Una mujer puede hacer cualquier cosa, alcanzar cualquier objetivo, mientras no se enamore.
Lauren Bacall en Cayo Largo (Key Largo, Estados Unidos – 1948)
Cayo Largo es una película estadounidense de 1948 escrita y dirigida por John Huston. Basada en la obra homónima de 1939, de Maxwell Anderson. Cayo Largo narra la violenta estancia de un grupo de gánsters retenidos en un hotel de la costa de Florida por culpa de una fuerte tormenta. Allí el rey de los gánsters, Johnny Rocco (Edward G. Robinson), se oculta haciéndose el amo del lugar y reteniendo a punta de pistola a la dueña del hotel, Nora Temple (Lauren Bacall), a su suegro inválido (Lionel Barrymore) y al veterano de guerra, Frank McCloud (Humphrey Bogart).
Luis Buñuel Portolés (España, 1900 – México, 1983)
Buñuel fue un director de cine español naturalizado mexicano. La gran mayoría de su obra fue realizada en México y es considerado uno de los más importantes directores surrealistas de la historia del cine. El surrealismo en los años 20 desarrollaba una creatividad intelectual plena que destrozaba los tradicionales conceptos de expresión y narrativa. La obra clave del cine surrealista fue Un perro andaluz (1929).
Buñuel dirigiría obras tan significativas como La edad de oro (1930) y al asentarse definitivamente en México estrena Gran Casino (1947). En 1949 se nacionaliza, viniendo luego títulos como Los Olvidados (1950) o Él (1953).
Su cine, surreal, original y simbólico, aborda diversos géneros, como farsas, sátiras, comedias negras, dramas de corte neorrealista o pasionales melodramas, enfocando sus críticas en el catolicismo y la burguesía.
Tomás Gutiérrez Alea (Cuba, 1928 – 1996)
Alea fue un cineasta cubano cuyos largometrajes, documentales y cortos son conocidos por la influencia en la Cuba post-Revolucionaria, y su delicado equilibrio entre la dedicación a la Revolución y la crítica sobre la situación social, económica y política del país.
El trabajo de Gutiérrez Alea es representativo de un movimiento ocurrido en la década del 60 conocido como Nuevo Cine Latinoamericano. Este movimiento colectivo, también denominado Cine Libre o Cine Imperfecto, rechazaba la perfección comercial del estilo de Hollywood, y el cine de autor europeo, proponiendo un cine creado como herramienta para el cambio social y político.
Entre sus obras podemos destacar La muerte de un burócrata (1966), Memorias del subdesarrollo (1968), La última cena (1976) o Fresa y Chocolate (1993).
Glauber Pedro de Andrade Rocha (Brasil, 1938 – 1981)
Glauber Rocha fue un influyente director de cine brasileño, actor y guionista. Es famoso por su trilogía compuesta por Dios y el diablo en la tierra del sol (1964), Tierra en Trance (1967) y Antonio das Mortes (1969).
Sus películas son conocidas por los temas políticos expresados de manera fuerte, a menudo combinados con misticismo y folclore, pero también por su particular estilo y fotografía. Rocha está considerado como uno de los mejores directores brasileños de todos los tiempos y líder del movimiento Cinema Novo.
Fernando Ezequiel Solanas (Argentina, 1936)
Fernando Solanas es un director de cine argentino miembro del Colectivo Cine Liberación en el cuál se veían a sí mismos como cineastas guerrilleros, cuya obra fílmica debería incidir en la historia argentina en favor de la izquierda. El trabajo de Solanas en el Colectivo Cine Liberación lo condujo al manifiesto conocido como Hacia un tercer cine, donde se rechazaba no solo los modelos narrativos y productivos de Hollywood, sino también la fórmula del cine de autor de los cineastas europeos.
Entre sus obras podemos destacar La hora de los hornos (1968), Tangos: el exilio de Gardel (1985) y Sur (1988).
Nelson Pereira dos Santos (Brasil, 1928)
Nelson Pereira dos Santos es cineasta brasileño, realizador y protagonista del Cinema Novo. En varios textos es llamado el padre de este movimiento, no simplemente por ser anterior o mayor a los demás realizadores, sino por la claridad y madurez de sus obras, sirviendo en cierta forma de pilar inicial al movimiento.
Entre su filmografía podemos destacar Vidas secas (1963), Tienda de los milagros (1977) y Memorias de la Cárcel (1984).
Citando la Wikipedia en castellano:
Una mujer fatal es un personaje tipo, normalmente una villana que usa el maligno poder de la sexualidad para atrapar al desventurado héroe. Es una traducción de la expresión francesa femme fatale, ‘mujer mortífera’. Se la suele representar como sexualmente insaciable. Aunque suele ser malvada, también hay mujeres fatales que en algunas historias hacen de anti heroínas e incluso de heroínas. En la actualidad el arquetipo suele ser visto como un personaje que constantemente cruza la línea entre la bondad y la maldad, actuando sin escrúpulos sea cual sea su lealtad.
La historia del séptimo arte está repleta de mujeres fatales y con este post quiero comenzar un nuevo ciclo al respecto introduciendo el tema con una selección de 5 películas del cine negro estadounidense de los años 40.
Rita Hayworth en Gilda (Estados Unidos – 1946)
Gilda es una película estadounidense de 1946, en blanco y negro, del género drama, dirigida por Charles Vidor. Protagonizada por Rita Hayworth (como Gilda) y Glenn Ford en los papeles principales. Es considerada tal vez la mejor película de Rita Hayworth en su rol de mujer fatal. La bofetada que le da Glenn Ford ha entrado en la historia del cine, así como el desenguante de Gilda mientras canta "Put The Blame On Mame". En 1987 Glenn Ford recibió el premio Donosti del Festival de cine de San Sebastián y eligió que de entre todas sus películas se proyectara Gilda para el homenaje. No podía contener las lágrimas cada vez que Rita Hayworth aparecía en la pantalla.
¿Te interesa saber lo mucho que te odio? Te odio de tal modo que buscaría mi perdición para destruirte conmigo.
Barbara Stanwyck en Perdición (Double Indemnity, Estados Unidos – 1944)
Perdición es una película estadounidense de cine negro, dirigida en 1944 por Billy Wilder y protagonizada por Barbara Stanwyck (en el papel de Phyllis Dietrichson), Fred MacMurray y Edward G. Robinson. El guión es una adaptación de Billy Wilder y Raymond Chandler de la novela Pacto de sangre (cuyo título original era también Double Indemnity) del escritor James M. Cain.
No, nunca te he querido, Walter, ni a ti ni a nadie. Estoy podrida hasta la médula. Te utilicé, como has dicho. Sólo has sido eso para mí… hasta hace un momento… cuando no he podido disparar por segunda vez. Jamás pensé que pudiera pasarme a mí.
Ava Gardner en Forajidos (The Killers, Estados Unidos – 1946)
Robert Siodmak es el director de esta primera versión del relato de Ernest Hemingway The killers. El argumento se nos presenta entretejiendo una secuencia temporal con otra; superponiendo dos secuencias dramatizadas: el pasado de Ole 'Swede' Andersen (Burt Lancaster) y la investigación de Jim Reardon (Edmond O'Brien). El resultado es un argumento dividido que contiene hasta 11 flashbacks. En su época, buena parte del público no llegó a entender la complejidad de la trama, aunque en la actualidad Forajidos está considerada una pieza clave dentro del llamado film noir. Ava Gardner interpreta a Kitty Collins Colfax.
¿Quieres escuchar un consejo? Deja de escuchar esta arpa dorada, Swede. Te creará muchos problemas…
Veronica Lake en La Dalia Azul (The Blue Dahlia, Estados Unidos – 1946)
Cuando Johnny (Alan Ladd) vuelve de la marina tras participar en la II Guerra Mundial descubre que Helen, su mujer, ha encontrado un nuevo amor, Eddie, el dueño de un night club La dalia azul. En un primer momento Johnny intenta deshacerse de su mujer, pero abandona la idea y se va. Al día siguiente su mujer es encontrada muerta y él se convierte en el primer sospechoso. Johnny decide entonces buscar al asesino, para ello contará con la ayuda de Joyce Harwood (Veronica Lake), la joven esposa de Eddie.
Lizabeth Scott en Callejón Sin Salida (Dead Reckoning, Estados Unidos – 1947)
Rip Murdock (Humphrey Bogart) es un ex-soldado que intenta averiguar quién ha tendido una trampa a su amigo Johnny, acusándole de asesinato para matarle después. Siguiendo el oscuro pasado de su compañero en la guerra, Rip llega hasta Coral ‘Dusty’ Chandler (Lizabeth Scott), la antigua novia de Johnny. El hombre queda prendando de la bella rubia, y pronto queda atrapado en una maraña de mentiras. Es sin dudas la película que contiene todos los aspectos claves del cine negro estadounidense de la época.
Debe ser amor (It must be love)
