Consultando los estrenos guardados en nuestra base de datos he elaborado un informe lo más detallado posible sobre las proyecciones en los cines españoles durante el año pasado (2009).
El informe cuenta con datos estadísticos basados en las 516 películas estrenadas en España durante ese año y está desglosado por la influencia de cinematografías de los diversos continentes. Sin más os dejo los datos y las gráficas:
- En el 2009 el 12 % de las películas estrenadas en las salas de cine eran producciones o coproducciones españolas.
- Las películas de Hollywood se estrenan en España con una media de 90 días más tarde que su estreno en Estados Unidos.
- Las salas de cine españolas muestran solo el 54 % de la producción cinematográfica hollywoodiense, el resto que llega a España va directo a DVD o Blue Ray.
- Solo el 35 % del total de producciones de América del Sur son las que llegan a España y todas con un retraso de 77 días de media.
- El 47 % de las producciones asiáticas se exhiben en los cines españoles con un retraso frente a su estreno en el país de origen de 84 días.
- El 74 % de todo el resto del cine europeo se puede ver en las salas de cine españolas.
¿Qué os parecen estas cifras?
Después de ver como con el paso del tiempo se va destruyendo cada vez mas el cine con trilogías, cuartas partes, remakes, secuelas, precuelas y nada de contenido original he pensado que en vez de tanta tecnología 3D los productores deberían buscar un poquito de contenido y guiones originales.
Esta idea me vino a la cabeza con un cómic que sigo desde hace un tiempo y que a dado el salto en un maravilloso libro. Al leerlo no pude evitar disfrutar como hace mucho tiempo no lo hago en el cine, una mezcla entre el Shrek original y Torrente que fácilmente podría dar el salto al cine como otra producción española ahora que estamos en el auge de los cómics y de la animación en el cine español. El cómic en sí se llama Conejo Frustrado y según el propio autor, Mike Bonales, va de:
Rodolfo (el conejo frustrado) que estaba casado con una coneja, pero esta le dejó por otro tipo, que resultó ser abogado. Ella se quedó con la casa y el coche, pero no con su hijo Rodolfito. Sin un sitio donde vivir, no tuvo más remedio que mudarse junto a su hijo y su anciano padre a un piso alquilado. Desde entonces lucha por tener una convivencia normal, sin muy buenos resultados.
Con esta premisa me he propuesto crear una nueva sección que vaya de 'propuestas' para un cine original e interesante, algo que nos mueva a las salas de cine, algo que nos haga creer nuevamente en que existe este séptimo arte.
Después de dos décadas sin apenas aparecer papeles de mujeres fatales en el cine estadounidense, durante los 80 se comienzan a hacer homenajes a estos filmes de antaño recuperando el cine negro y con él sus envidiables mujeres fatales.
Espero que disfruten de esta selección, que a manera de novedad incluye una película de animación.
Fuego en el cuerpo (Body Heat, USA – 1981)
Es la opera prima del director estadounidense Lawrence Kasdan. Cuenta la historia de Ned Racine, un joven abogado de Florida, lleva una vida normal hasta que conoce a Matty Walker (Kathleen Turner), una tentadora y sensual mujer fatal, casada con un rico hombre de negocios. Ned descubre en Matty a la clase de mujer por la que un hombre sería capaz de matar con el fin de poseerla. Un guión del propio Kasdan que mantiene de la mano al crimen pasional y al erotismo, sin llegar el extremo de cine erótico pese a algunas escenas bastante cargadas de tono. Es un gran homenaje al cine negro de los cuarenta.
Las amistades peligrosas (Dangerous Liaisons, USA | UK – 1988)
La película Las amistades peligrosas está basada en la novela epistolar Les Liaisons Dangereuses del francés Choderlos de Laclos del siglo XVIII. Es una cinta tentadora y malvada, hasta el punto que puedas ruborizar tus mejillas. Desde el inicio se ve a una magistral Glen Close en un excelente papel de femme fatale, la marquesa de Isabel de Merteuil, ella sonríe con diabólica auto-satisfacción en el espejo de su vestidor, ejerciendo la fotografía una retención insinuante sobre el espectador, hasta tal punto de sentirla susurrándote al oído.
¿Quién engañó a Roger Rabbit? (Who Framed Roger Rabbit, USA – 1988)
¿Quién engañó a Roger Rabbit? está considerada como un clásico moderno. Marcada por un tono inconsistente donde se superponen a los chiflados personajes de los dibujos animados con elementos del cine negro haciendo más difícil identificarla correctamente como una película para niños o para adultos. También cabe destacar que aunque el sexo y la violencia eran elementos habituales en la edad de oro de la animación estadounidense (1928 a 1960) el uso era más evidente en esta película, particularmente con respecto al personaje de Jessica Rabbit como una exuberante y sensual mujer fatal.
Para dar forma a Jessica Krupnick Rabbit intervinieron 3 mujeres Amy Irving como su voz al cantar, Betsy Brantley en la cual se basaron para dibujarla y Kathleen Turner para hacer su voz en el resto de escenas. En la versión española el doblaje estuvo a cargo de Rosa María Belda.
Para la próxima entrega, mujeres fatales de los 90 hasta la actualidad.
Como en otros artículos hoy vamos a ir revisando diversos films con un toque de sexo explícito. La oportunidad la tomaré para mostrar algunas películas del cine porno de los ’70 y ’80 que pueden llegar a considerarse míticas e incluso artísticas. La siguiente muestra la componen películas estadounidenses, italianas, francesas e inglesas.
Pink Flamingos (Estados Unidos – 1972), de John Waters
Divine y Mink Stole compiten para merecer el puesto de la más repugnante persona viva. El resultado de ese esfuerzo fue un hito del underground norteamericano a causa de un amplio espectro de perversiones mostradas con detalles explícitos que incluye sexo con sacrificio de gallinas, venta de niños, ejercicios anales y degustación de excrementos. Sin embargo, y aunque no me crean, se trata de una comedia.
El Diablo en la señorita Jones (Devil in Miss Jones, Estados Unidos – 1973), de Gerard Damiano
Una mujer se suicida y eso la condena al infierno, pero un mediador del más allá se apiada de ella al saberla virgen. A lo largo de una hora, Spelvin (la protagonista) acumula méritos suficientes para merecer la condenación eterna, hasta llegar a un final que algunos críticos han comparado con la obra A puerta cerrada de Sartre. Se la considera un hito del género y fue realizada por el mismo responsable de Garganta profunda.
The Rocky Horror Picture Show (Inglaterra – 1975) de Jim Sharman
La obra musical de Richard O’Brien, potenciada en el filme, tomaba reconocibles lugares comunes del cine de terror para hacer saltar por los aires los arquetípicos del género pornográfico. Buena parte del éxito de la obra y del filme se debieron a la actuación antológica de Tim Curry como el científico bisexual Frank-N-Furter. El tiempo y el público lo transformaron, espontáneamente, en el film de culto más importante de la historia del cine. En Argentina quedó prohibida por la censura y se estrenó sin éxito a fines de los ’80 con el título Orgía de horror y locura.
Exhibición (Exhibition, Francia – 1975) de Jean-François Davy
Con alguna influencia del cinéma-verite, esta película se propone como un retrato documental de la actriz porno Claudine Beccarie y, por extensión, de la industria del cine pornográfico europeo de los ’70. Fue uno de los primeros (si no el primero) documentales sobre el tema y en tal carácter tuvo el raro privilegio de ser programado en el New York Film Festival en 1975 pese a sus muchas escenas de sexo explícito. En Argentina tuvo un oscuro estreno en salas tras la abolición de la censura en 1984.
Flesh Gordon (Estados Unidos – 1974), de Michael Benveniste y Howard Ziehm
Es un claro ejemplo de sexplotation (versión porno de una película famosa). Para este tipo de cine los presupuestos eran bastante ajustados pero el de Flesh Gordon es superior a otras películas de su época. Hay una intención de hacer una película un poco más acabada con escenografías y fondos bastante aceptables y bien terminados así como los notables efectos de stop motion estilo Harryhausen, y el guión, no tan malo, logra ser muy entretenido. Si no fuera por las execrables actuaciones y el nefasto trabajo de cámaras podríamos decir que es una muy buena película, en todo caso igual logra ser un film de culto.
Tiene una secuela de 1989 titulada Flesh Gordon Meets the Cosmic Cheerleaders.
Miranda (Italia – 1985), de Tinto Brass
Puede llegarse incluso a considerarse cine erótico y no pornográfico. La historia de Miranda está basada en una obra de comedia clásica del teatro italiano llamada La Locandiera, escrita por Carlo Goldoni. La película es uno de los peores guiones del director italiano y fracasa por completo al intentar homenajear la obra de Goldoni.
Aquí os dejo 5 películas cuyas bandas sonoras han sido igual o más famosas que la propia película, espero que os traigan tan buenos recuerdos como a mi.
Cantando bajo la lluvia (Singin' In the Rain, Estados Unidos – 1952)
Singing´ in the rain es una canción con letra de Arthur Freed y música de Nacio Herb Brown, publicada en 1929. La canción fue incluida como número 3 en la lista AFI 100 años … 100 canciones. Es más conocida hoy día como la pieza central de la película musical Cantando bajo la lluvia, en la que Gene Kelly hace un baile memorable al compás de la misma mientras chapotea en los charcos durante una tormenta. La canción también aparece durante los créditos iniciales de la película.
Ghost: más allá del amor (Ghost, Estados Unidos – 1990)
Unchained Melody (Melodía desencadenada) es una de las canciones con más versiones del siglo XX. La versión original fue escrita por William Stirrat en el verano de 1936, en un intento de enamorar a una chica llamada Mary Louise "Cookie" Pierce. La música fue escrita por Alex North para una película de 1955 llamada Sin cadenas (Unchained). Una de sus grandes interpretaciones fue por Elvis Presley en 1977 en un programa de televisión. Posteriormente adquirió más fama internacional gracias a la película Ghost, donde estaba interpretada por los Righteous Brothers, siendo la banda sonora nominada a los premios de la Academia.
Vaselina (Grease, Estados Unidos – 1978)
La banda sonora de Grease le da crédito a las dos estrellas de la película, John Travolta y Olivia Newton-John, a pesar de que sólo aparecen en siete de los 24 temas. El resto del álbum es cantado por varios miembros del elenco y el grupo Sha Na Na. Las canciones más exitosas de la banda sonora fueron escritas específicamente para la película. Entre ellos los éxitos Billboard número uno "You're the One That I Want", "Grease" y el número tres de la Academia, nominado al Premio "Hopelessly Devoted to You".
En el Reino Unido, el álbum resultó ser aún más exitoso cuando "You're the one that I want" alcanzó el número 1 durante nueve semanas, "Summer Nights" alcanzó el n º 1 durante siete semanas, mientras que "Grease", "Hopelessly Devoted to You" y "Sandy" se convirtieron todos en top 3. La banda sonora alcanzó el top en las listas de Estados Unidos en 1978 en sustitución de Some Girls de los Rolling Stones. En el Reino Unido, se mantuvo en la cima de las listas durante 13 semanas consecutivas.El álbum vendió 28 millones de copias en todo el mundo.
Bailando suave (Dirty Dancing, Estados Unidos – 1987)
Dirty Dancing es la banda sonora original de la película Bailando suave de 1987. El álbum se convirtió en un gran éxito comercial en los Estados Unidos. Se mantuvo por 18 semanas en el # 1 en el top 200 de las listas del Billboard y las ventas del álbum fueron multi-platino. Producido por Jeff McCullough, el álbum llegó a vender 42 millones de copias en todo el mundo y es uno de los álbumes más vendidos de todos los tiempos. A partir de 2007, sigue estando en las listas irlandesas en ocasiones, y tiene el record de haber pasado más de 230 semanas en el top 30. El siguiente vídeo muestra la escena del baile final con la canción más emblemática de la película (I've Had) The Time of My Life en las voces de Bill Medley y Jennifer Warnes.
Fiebre del sábado noche (Saturday Night Fever, Estados Unidos – 1977)
Saturday Night Fever es la banda sonora de la exitosa película Fiebre del sábado noche, protagonizada por John Travolta. En los Estados Unidos, el álbum fue certificado Platino 15x por sus más de 15 millones de copias vendidas y revivió el fenómeno de la música disco en los EE.UU. convirtiéndose en una obsesión nacional.
Junto con el éxito de la película, la banda sonora, compuesta e interpretada principalmente por los Bee Gees, fue la banda sonora más vendida de todos los tiempos. El impacto cultural de Saturday Night Fever en los Estados Unidos fue tremendo. Los Bee Gees habían originalmente escrito y grabado los cinco temas originales de la película, Stayin' Alive, Night Fever, How Deep Is Your Love, More Than a Woman (interpretada en la película en dos versiones diferentes, una versión por Tavares, y otro por los Bee Gees) y If I Can't Have You (interpretada en la película por Yvonne Elliman) como parte de un álbum normal. No tenían ni idea en el momento de su composición que iba a ser una banda sonora. Dos canciones inéditas de los Bee Gees, Jive Talkin y You Should Be Dancing, también se incluyen en la banda sonora.
La década del 50 marcó el comienzo del declive del cine negro en Hollywood aunque no en demasía, nuevas caras vieron el panorama cinematográfico y entre ellas algunas grandes estrellas que desempeñaron muy bien sus papeles como mujeres fatales, esas que cruzaban constantemente la línea entre la bondad y la maldad en sus personajes, las femme fatale insaciables, algunas heroínas otras todo lo contrario.
Espero que disfruten esta breve selección de mujeres fatales de los años 50 en el cine estadounidense.
Niágara (Niagara, Estados unidos – 1953)
Para describir Niágara solo voy a remitirme a la crítica que hizo el New York Times en el momento del estreno:
"(…) ignorando la idea de que hay Siete Maravillas del Mundo, Twentieth Century-Fox ha descubierto dos más (…) en Niágara (…) la grandeza de las cataratas y sus áreas adyacentes, así como la grandeza que es Marilyn Monroe (…) han capturado todas sus posibles curvas, tanto en la intimidad de la alcoba como en sus ajustados vestidos igualmente reveladores. Y se ha puesto de manifiesto que puede ser seductora – incluso cuando camina. Como se ha señalado, Niagara puede no ser el lugar para visitar en estas circunstancias, pero las cascadas y la señorita Monroe son algo para ver"
El gran carnaval (Ace in the Hole, Estados unidos – 1951)
El gran carnaval es el claro retrato de la prensa sensacionalista (prensa amarilla), a través de sus personajes, entre ellos Jan Sterling como una mujer fatal dueña de un bar de pueblo, muestra un periodismo deshonesto, corrupto y a un público responsable de exigir cada día más a los medios de comunicación en lo que se refiere a asuntos morbosos y sensacionalistas.
El beso mortal (Kiss Me Deadly, Estados Unidos – 1955)
“un materialista burgués, un hedonista que claramente prefiere los descapotables a las mujeres, con las cuales su egoísmo nato le impide comunicarse, siquiera sexualmente”
Estas son las palabras de José Luis Guarner al referirse al personaje protagónico de El beso mortal Mike Hammer, un detective al que lo mismo le dan las secretarias insatisfechas o las cantantes de jazz de mirada desafiante o las hermanastras de gángsteres ansiosas de conocer a qué saben los detectives o las mujeres fatales (Marian Carr en el papel de Friday) travestidas de corderos pusilánimes.
La próxima entrega dará un salto de décadas y nos centraremos en las femme fatale de los años 80.
El nombre esta inspirado en un clásico del cine cubano, como un lugar muy sui géneris, la cafetería Las Tres Lucías, distingue de manera especial a la ciudad cubana de Holguín.
Es Las Tres Lucías, un centro que hace loas al cine y nos adentra en el mundo de la cinematografía de todos los tiempos.
En este lugar, y como parte de diversas actividades y eventos culturales es posible ver variadas propuestas cinematográficas de todo género, modalidad y época sin ser una sala de cine propiamente dicha, es el sitio ideal para reuniones de amigos, y a la vez degustar el aromático café holguinero.
Allí desarrollan actividades de cineclub, conversatorios, paneles concursos y presentación de libros u otras obras artísticas.
En este lugar radica la sede del Café Literario Holguinero, un espacio de opción dirigido a los creadores de la ciudad para charlar sobre la literatura y la vida literaria de esta urbe. En este espacio literario se pueden escuchar recitales de sus más genuinos creadores y el impulso a la obra de narradores y poetas noveles con una frecuencia mensual.
La cafetería Las Tres Lucías está ubicada en la céntrica calle holguinera de Martírez esquina con la calle Frexe sin número y el número de teléfono es + 53 24 451872.
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En el surrealismo el impulso erótico elude los términos convencionales de la representación. Durante la historia del séptimo arte han sido muy pocos los cineastas que tuvieron la audacia de aproximarse al erotismo omitiendo los patrones del pensamiento racional y sistemático. Cada vez que eso sucedió, los resultados fueron obras felizmente inclasificables, herederas de los postulados esenciales del surrealismo. Antonioni, Buñuel, Lynch y Polanski son algunos de los artistas aludidos en este artículo.
Aquí os dejo un puñado de filmes que apelan al surrealismo para representar con resignación los misterios de la atracción erótica.
Corazón salvaje (Wild at Heart, EEUU-1990) de David Lynch
Escenas violentas, divertidas y perversamente eróticas, Corazón Salvaje [basado en la novela de Barry Gifford] es un viaje en montaña rusa a la redención a través de un corazón americano de oscuridad gótica. Cameos inadaptados, escenas aparentemente al azar y un ataque casi continuo de las relaciones sexuales y la violencia inquietante no dejan ninguna duda de la mano de David Lynch detrás de la cámara.
Identificación de una mujer (Identificazione di una donna, Italia|Francia-1982) de Michelangelo Antonioni
Es de las películas más concretas de Antonioni, en la que hay más espacio para las emociones, la conducta, lo físico. Es el filme en que más se habla, el más irónico e incluso muestra la más serena tranquilidad de la tristeza, centrada en los personajes y no en su relación con el medio ambiente y el paisaje.
Onibaba, el mito del sexo (Onibaba, Japón-1964) de Kaneto Shindo
La historia de Onibaba tiene lugar poco después de la Batalla de Minatogawa que inició un período de más de 50 años de guerra civil, el período de Nanboku-chō (1336 a 1392) y demuestra la lucha de clases entre los campesinos y los samuráis de élite en ese momento. Se basa en una fábula budista de la época. Según Kaneto Shindo los efectos de la máscara que llevan es un símbolo de la desfiguración de las víctimas de los bombardeos atómicos de Hiroshima y Nagasaki, la película refleja el efecto traumático de esta imagen en la posguerra la sociedad japonesa.
La mujer pública (La femme publique, Francia-1984) de Andrzej Zulawski
La mujer pública es un hito cinematográfico con imágenes ricas y múltiples emociones en bruto. Veinticinco años después de su polémica aparición en el Festival de Cine de Cannes, esta historia de una joven y luchadora actriz, retiene el poder de conmocionar incluso el más experimentado de los aficionados al cine con su estilo violento y tono apocalíptico. El destino de una mujer, dividido entre ángel y demonio… Una hora y cincuenta y cuatro minutos de felicidad dolorosa, arañazos del alma, seduciendo como el torbellino que cada uno de nosotros esconde más allá de la conciencia. Es una película imposible, peligrosa y empobrecedora. El director no es un hombre de palabras, juega y hace juegos malabares con la imagen, el color, el ritmo, el sonido, la música, y una desvergüenza indescriptible que roba a sus actores de manera eficaz. Entre el humor y paroxismo, La mujer pública es una experiencia fascinante metafísica con un grado de intensidad que hay que verlo para creerlo. En pocas palabras, representa el cine en su estado más loco y brillante.
Otras películas surrealistas que incluyen como trama fundamental el erotismo son:
¿Has visto alguna otra?
En los primeros años de la década del 40 mientras Europa estaba inmersa en la Segunda Guerra Mundial y los propios Estados Unidos se preparaban para entrar en liza, la maquinaria de Hollywood no se detenía. Fue el auge del cine negro y de grandes mujeres fatales, era el principio de esta gran saga de impresionante mujeres.
Veamos algunos de estos ejemplos:
El Halcón Maltés (The Maltese Falcon, USA – 1941)
Con Mary Astor en el papel de Brigid O'Shaughnessy como femme fatale, El halcón Maltés nos adentra en el ambiente policiaco de los años cuarenta, más concretamente, en la historia acontecida a Sam Spade, un sabueso, que se ve envuelto en un caso de asesinato, por la muerte de un amigo y compañero suyo. Detrás de esta aparente sencilla trama, se ramifican un gran cúmulo de historias paralelas al conflicto principal del guión, lo que ensalza en gran medida el poder de entretenimiento de esta solidísima adaptación.
La mujer del cuadro (The Woman in the Window, USA – 1944)
La mujer del cuadro es una película de 1945 dirigida por Fritz Lang que cuenta la historia del profesor de psicología Wanley (Edward G. Robinson), que se enamora de Alice Reed (Joan Bennet), una intrigante mujer fatal cuyo retrato se encuentra en un escaparate del club dónde se reúne con sus amigos. El film está basado en la novela de J. H. Wallis' Once Off Guard y llevada a la gran pantalla por Nunnally Johnson con su propia productora independiente International Pictures Inc.
¿Ángel o diablo? (Fallen Angel, USA – 1945)
¿Ángel o diablo? nos presenta a una Linda Darnell como pocas veces, interpretando a la mujer fatal canónica por excelencia, con su pelo negro ondulado adornado por flores recogiendo tan sólo un lado, iluminada como ya no vemos en el cine, dejando en claro oscuro sus labios carnosos. Su personaje Stella, abocado a la desgracia, nos habla de toda una manera de ser en la que la ley de la selva seguía siendo la norma y en la que seducir o ser seducido era la moneda de cambio corriente en un mundo en el que el engaño, la ficción y el plástico mandaban.
Que el cielo la juzgue (Leave Her to Heaven, USA – 1945)
Gene Tierney hace de mujer fatal en Que el cielo la juzgue, su personaje, Helen Berent, es la esposa del escritor Richard Harland. Pero Helen manifiesta progresivamente un carácter posesivo y unos celos patológicos y asesinos que terminan por causar la desgracia a todos los que la rodean y, por fin, a su marido.
El cartero siempre llama dos veces (The postman always rings twice, USA – 1946)
El cartero siempre llama dos veces es un thriller, producido en 1946, basado en la novela homónima de James M. Cain. Es la primera adaptación cinematográfica de la novela y está protagonizada por Lana Turner como mujer fatal en la piel del personaje Cora Smith, la joven, bella e infeliz esposa de un hombre mayor dueño de un bar de carretera en el que, durante la gran depresión, comienza a trabajar Frank Chambers, un hombre sin rumbo.
La dama de Shangai (The Lady from Shangai, USA – 1947)
La dama de Shangai es una película del cine negro norteamericano de 1947, dirigida por Orson Welles y protagonizada por Welles, su ex esposa Rita Hayworth y Sloane Everett. Se basa en la novela Si muero antes de despertar (If I Die Before I Wake) de Sherwood King. La trama gira en torno a Welles, un hombre corriente que entra a trabajar en un yate a las órdenes de un hombre inválido casado con una mujer fatal -Rita Hayworth en el papel de Elsa Bannister -, y queda atrapado en una maraña de intrigas y asesinatos.
En la próxima entrega de esta serie de mujeres fatales mostraré algunas cintas de la siguiente década, los años 50.
El cine de culto es un selecto conjunto de películas de carácter minoritario, que han tenido éxito entre determinados sectores del público. Películas rompedoras, extrañas, excéntricas o surrealistas, con personajes muy peculiares y argumentos controvertidos; en resumen con algún atractivo especial.
Cine de culto es la revalorización al cabo de mucho tiempo de una personalidad del cine, o una obra del cine que en su momento no se les prestó atención, se les despreció o simplemente, pasaron incomprendidos. Este tipo de cine está por encima de los valores estéticos considerados como clásicos, por encima de la calidad intrínseca de la persona o de la obra. No hay que confundir cine de culto con cine de vanguardia, ni con cine clásico, ni con los mitos cinematográficos.
Una película de culto es aquella que sufre un proceso inverso al habitual, en el sentido de que se revaloriza con el paso del tiempo, de forma que lo que en su día apenas suscitó atención hoy se ha convertido en modelo a seguir y en un producto absolutamente vigente. Son cintas de bajo presupuesto con escasas expectativas comerciales que por múltiples razones calan en amplios sectores del público y alcanzan un éxito que se prolonga en ocasiones incluso durante décadas eternizándose en cines pequeños y en sesiones golfas de madrugada. Una gran parte del cine que hoy admiramos como de culto está asociado a figuras despreciadas de las series B y Z.
En ocasiones la película de culto es consecuencia de la mera opinión de una personalidad de la cultura cuyas consideraciones al respecto son acogidas y apoyadas por amplios sectores de la crítica aunque, las auténticas películas de culto, son elevadas a esa categoría por los espectadores. Easy Rider o The Rocky Horror Picture Show no necesitaron análisis de especialistas ni críticos para despertar un interés posterior y un éxito mucho más duradero que los fugaces éxitos de las carteleras actuales.
Una película de culto suele tener como responsable a un cineasta muy poco o nada conocido. El factor sorpresa, en cuanto a que se tienen pocos antecedentes del director, es fundamental. Carece de sentido considerar de culto títulos firmados por maestros del cine pues por esta misma razón ya han sido objeto de la admiración y de la reverencia de público y crítica.
En las películas de culto no podemos generalizar porque no existe género como tal y éstas tienen un amplio espectro siendo muy subjetiva la forma de culturizar cada uno su película de culto.
Hay películas de culto malísimas como las de John Watters y las primeras de Alan Rudolf, estas últimas fueron en España de los típicos fenómenos de culto por excelencia. En los últimos años del siglo pasado, una película como El amigo americano de Wenders se erige como película de culto.
Tenemos que comprender que no podemos hablar de películas de culto personales. Cuando hablamos de cine de culto debemos referirnos a películas que cuentan con muchos seguidores independientemente de que sean de nuestro agrado o no. Si no trasciende poco culto hay.
El cine de culto puede considerarse como nuestra manera de personalizar el cine que más nos gusta en un contexto más global y generalizado, sin llegar nunca a las individualidades de cada uno. Las películas de Hitchcock no son películas de culto, sino obras maestras o clásicos. El cine de Eisenstein, el expresionismo alemán, el neorrealismo italiano y las películas de nombres como Dreyer o Kubrick no son cult-movies sino obras maestras. Cabeza borradora, de David Lynch, es un film auténticamente de culto.
A manera de resumen podemos decir que hoy por hoy el cine de culto se asocia al cine marginal.
Aunque hablar de películas de culto en general es complicado voy a intentar realizar, en una serie de artículos, una muestra por géneros y enseñar los cult-movies que se han dado, por ejemplo, en el cine de terror de los años treinta, en el cine negro de los cuarenta y cincuenta, en las comedias incluso de la época dorada de Hollywood.