A raíz de la película The Girlfriend Experience dónde el director Steven Soderbergh (Ocean's Eleven y Ché) ha contratado a Sasha Grey una conocida actriz porno para interpretar el papel protagónico he querido investigar un poco y buscar otros actores y actrices famosos que hayan realizado películas para adultos antes de dar el salto a Hollywood.
Por Internet se ven muchas barbaridades en este tema, se barajan nombres como Jesse Spencer (el Dr. Chase de la serie House MD), Jimmy Jean-Louis (el Haitiano de la serie Héroes), Jim Carrey del cual incluso se ha dicho que antes de actuar en Hollywood hacía películas porno en Canadá, Arnold Schwarzenegger, Angelina Jolie que aunque en la película Pecado Original tuviera una escena altamente erótica con Antonio Banderas nunca ha hecho porno, Carmen Electra, Di caprio, Jean Claude Van Dame, Patrick Swayze, Lochlyn Munro y una interminable lista más. Estos actores y actrices anteriores nunca han hecho cine porno, o por lo menos no hay constancia real de ello. Veamos ahora una mini lista real.
De todos estos actores el caso más conocido tal vez sea el de Sylvester Stallone que en 1970 rodó la película X The Party at Kitty and Stud's por la cuál le pagaron 200 dolares y que tras del éxito de Rocky, relanzaron la misma con el nombre de Italian Stallion en 1976.
En cuanto a las actrices la más polémica puede ser la misma Marilyn Monroe de la cuál se especula una posible participación en una película porno. Los interrogantes al respecto empezaron a surgir en los 80, cuando un fotógrafo sueco encontró un filme en blanco y negro de 7 minutos donde, supuestamente, aparecía la Monroe. Podéis ver el documento original del FBI tras visualizar la cinta en este enlace.
Veamos otros nombres menos controvertidos:
- Christy Lee Nussman más conocida como Traci Lords que después de 73 películas pornográficas dió el salto al cine en 1988 y actuó en películas como Blade (1998) y Underworld (1996).
- Simon Rex que después de 4 películas porno y alguna que otra participación en series de televisión dió el salto al cine y es conocido por su papel de George en Scary Movie 3 y 4.
Espero que les haya resultado interesante esta pequeña lista de mitos sobre actores de Hollywood vinculados al sector del cine porno para adultos.
María de los Ángeles Félix Güereña fue una actriz mexicana y uno de los símbolos del cine mexicano en su época de oro, llegando a ser uno de los grandes mitos del cine de habla hispana. Se le conoció por los sobrenombres de La Doña por su papel en Doña Bárbara y en Doña Diabla, y María bonita por la canción de Agustín Lara del mismo nombre dedicada a ella.
Sólo he sido una mujer con corazón de hombre
Su convulso inicio con Jorge Negrete durante el rodaje de El Peñón de las Ánimas (1943), de Miguel Zacarías, contribuyó a potenciar su fama, que tanto le valió para su posterior éxito, como una mujer dura y altanera. Este papel estelar junto a Negrete, un ídolo del cine mexicano, la condujo al resto de sus papeles protagónicos.
Un hombre tiene que ser escultura para satisfacer, una mujer para satisfacer solo sonríe, no es lo mismo tener el brazo tendido que la boca abierta.
Películas como María Eugenia (1943), de Felipe Gregorio Castillo, y Doña Bárbara (1943), de Fernando de Fuentes, le otorgaron la categoría de gran diva del cine mexicano. Concretamente su interpretación de la Doña Bárbara del escritor venezolano Rómulo Gallegos es insuperable. Él mismo Gallegos se encargaba del guión y los diálogos de la película y cuentan que al conocer a María en un restaurante exclamó:
¡Es ella! ¡Es mi Doña Bárbara!
Doña Bárbara será el inicio de las importantes colaboraciones entre María y Fernando de Fuentes, a cuyas órdenes filma La Mujer sin Alma (1944) y La Devoradora (1946), cintas que contribuyen a aumentar su celebridad como vampiresa por excelencia del cine mexicano, rol de mujer fatal que le acompañó durante su carrera cinematográfica.
María Félix es la mujer fatal indispensable del cine mexicano. Personalidad controvertida y admirada por su belleza legendaria y originalidad.
Su inicio en el cine empezó por azar cuando se hallaba mirando escaparates en el centro histórico de la Ciudad de México y el director Fernando Palacios la abordó preguntándole si le gustaría hacer cine, su respuesta:
¿Quién le dijo que yo quiero entrar en el cine? Si me da la gana, lo haré; pero cuando yo quiera, y será por la puerta grande
Especialistas afirman que María Félix siempre se interpretó a sí misma en todas sus películas, otros señalan que la aparición de la actriz en el panorama del cine mexicano fue tan impactante que los guionistas y directores terminaron por escribirle historias de acuerdo a su personalidad.
Su fascinante imagen de mujer fatal destacó también en títulos como La diosa arrodillada (1947), de Roberto Gavaldón; y Doña Diabla (1950), de Tito Davison. Parece que ella misma iba enriqueciendo esa imagen, de tal modo que su colaboración con el director Emilio Fernández le permitió completar una trilogía heterogénea que resume sus méritos y favorece que, aún hoy, el público la trate regiamente: Enamorada (1946), Río Escondido (1947) y Maclovia (1948).
Su última aparición cinematográfica fue en La Generala (1970).
María Félix pertenece a un grupo de mujeres que entran al dominio público a través del séptimo arte, en la escena del primer momento del cine latinoamericano. Mujeres como ella vinculadas al cine norteamericano y europeo en expansión y con una vigencia que aún se extiende.
El cinema verité es un movimiento cuyo origen se remonta al cine francés de la década de 1960, en él se mostraba a las personas en situaciones cotidianas con un diálogo auténtico y la naturalidad de la acción.
En lugar de seguir la técnica habitual de rodaje, sonido e imágenes en conjunto, el cineasta primero grababa las cintas con las conversaciones reales, entrevistas u opiniones. Después de seleccionar el mejor material encajaba el sonido a este material visual seleccionado y lo procesaba en la sala de edición. A menudo los filmes eran hechos usando cámara en mano.
En los orígenes destacan también los documentales británicos del siglo 20 y el movimiento neorrealista italiano de las post Segunda Guerra Mundial.
Se puede considerar como un género de película documental, llamado también en español película de realidad. El Cinema Verita hace énfasis en las circunstancias reales de las escenas, dando menor importancia a los medios formales del guión, la edición y la iluminación.
Aquí os dejo tres ejemplos de cinema verité:
- À hauteur d'homme de Jean-Claude Labrecque (Canadá – 2003)
- Furyo shonen de Susumu Hani (Japón – 1961)
- C'était un rendez-vous de Claude Lelouch (Francia – 1976)
Más ejemplos de cinema verité en la wikipedia.
Para entender lo que es el cine Clase B (también llamado Serie B y en inglés B Movie [película B]) hay que entender primero lo que es el sistema de estudios de Hollywood:
En la historia del cine se conoce como sistema de estudios al modelo estructural de la industria cinematográfica basado en tres conceptos: estudios, géneros y estrellas.
Aunque el sistema de estudios fue una política de comercialización que se aplicó en casi todos los estudios incluidos los europeos como Gaumont o Pathé, es en Hollywood donde se desarrolla en su máxima expresión y donde, bajo este sistema, la industria del cine estadounidense llegó a su apogeo, período también conocido como La Edad de Oro (o Era Dorada) de Hollywood.
Es en esa época (entre los años 1930 y 1960) donde surge el cine Clase B, que no era más que películas realizadas con bajo presupuesto y actores principiantes, no reconocidos o en decadencia. Esta clasificación se siguió utilizando después de la caída de dicho sistema de estudios y se asocia comúnmente a producciones de baja calidad (se relaciona con el cine bizarro y con el cine de culto aunque no implica que todas las películas de clase B sean bizarras o de culto).
El cine de serie B surge por causa de la recesión económica en 1929, entonces se comenzaron a producir películas con bajo presupuesto a fin de completar la cartelera de exhibición en las salas en las que se daban dos películas al precio de una. De este modo captaban el público que no podía darse el lujo de ver los estrenos, y que esperaba verlos en giras posteriores.
Los actores no reconocidos o que recién comenzaban tenían la oportunidad de lanzarse al estrellato.
Se puede concluir que las películas clase B fueron una respuesta de los estudios de Hollywood a la caída de audiencia experimentada durante la depresión, después del crack económico que sufrió Estados Unidos en 1929.
Night of the living dead (conocida en español como La noche de los muertos vivientes o La noche de los muertos vivos) es un clásico del cine de serie b de 1968 dirigida por George A. Romero, que transfiguró el género de las películas de terror y el subgénero cine de zombis.
El término word of mouth marketing ever se utiliza en las campañas publicitarias y el marketing y no es más que el boca boca o boca oreja. Muchos productores utilizan trucos del word of mouth (boca boca) en el cine para incitarnos a hacer dos cosas:
- seguir hablando de la película a manera de debate
- la intención de volverla a ver
He aquí la definición según la wikipedia:
El marketing boca a boca, tal como se denomina esta disciplina, se basa en el marketing de 3era generación. En la primera lo principal eran los productos, mientras que en la segunda lo relevante son las relaciones. En esta 3era generación la empresa tiene un papel casi secundario y simplemente inicia los disparadores para que el boca a boca se expanda de manera exponencial entre los propios consumidores. Ahí radica el secreto de su éxito.
En la cartelera hay muchas películas que apelan a esta técnica de marketing pero muy pocas lo logran.
La palabra bizarro, en el contexto cinematográfico, proviene de la palabra en inglés y francés bizarre que significa raro, extravagante, insólito.
Podríamos definir el cine bizarro como un subgénero cinematográfico que se corresponde con un tipo de cine surrealista y en ocasiones casi pornográfico.
El auge del término cine bizarro está marcado en la década de 1990, pero hay películas de este subgénero anteriores a esta fecha como pueden ser Freaks (1932), The Rocky Horror Picture Show (1975) y Terciopelo Azul (1986).
El cine bizarro ha sido relacionado con el cine de clase B, pues también era un tipo de cine con bajo presupuesto. Sin embargo esto es un error porque las películas bizarras pueden aparecer tanto en producciones de presupuesto recortado como en grandes producciones de Hollywood. El término bizarro suele aparecer en películas de terror, de cine de ciencia ficción, y en cine fantástico.
Es importante recalcar que no todo el cine bizarro es de clase B ni una película de clase B implica que sea bizarra. Esto mismo se aplica al cine de culto, categoría que mantiene la misma relación con el cine bizarro que las películas de clase B.
El mejor ejemplo del subgénero bizarro lo da el cineasta estadounidense Edward D. Wood Jr., que realizó Glen o Glenda (1953), que trata el tema travestismo, y Plan 9 del espacio exterior (1959), del género ciencia ficción y terror. Ambas películas fueron consideradas en sus incios como obras de muy mala calidad, pero en la actualidad son consideradas incluso películas de culto.
La mujer fatal es sexual, ambiciosa, vengativa, no quiere volver a un pasado sucio; es mentirosa o salvajemente sincera, materialista, los billetes le tiñen las huellas y el color de los ojos; es ávida y golosa, pecadora, destructora del tabú; enferma de una vulnerabilidad que la convierte en un ser indestructible.
La cinematografía mexicana no está en exenta de las femme fatale, que eran exóticas ambrosías para los sentidos, briosas, indomables y, envueltas en misterio. Esa alquimia de naturalezas formó parte de la iconografía sensual del cine mexicano.
Andrea Palma como Rosario en La mujer del puerto (1934)
Andrea Palma apoyada lánguidamente en el quicio de una puerta mientras Lina Boytler canta vendo placer a los hombres que vienen del mar es, de La mujer del puerto, el momento casi mágico que sobrepasa a una película con momentos magníficos y otros casi malogrados. La mujer del puerto es una historia protagonizada por una prostituta, personaje incorpora a su drama elementos propios de la moralidad católica como la culpa, el pecado original y la necesidad de sacrificio como medio de expiación. Rosario representa la imagen de la mujer fatal en desgracia que tanto caracterizaría a la literatura y al cine en México. Esa suerte de prostituta – ángel que logra moverse entre los escenarios más bajos sin mancharse del todo, con ese aire de fatalidad y orgullo.
Dolores del Río como Margarita Pérez en Las abandonadas (1945)
Las abandonadas contó con uno de los vestuarios más caros de la época en el cine mexicano y contiene una de las escenas más célebres de la filmografía clásica mexicana cuando el personaje de Dolores del Río desciende por una escalinata y el General Juan Gómez (Armendáriz) les grita a todos los presentes: ¡El que toque a esa mujer se muere!. Según la opinión de críticos y especialistas del cine en mexicano, este filme ocupa el puesto 93 entre las 100 mejores películas mexicanas de la historia.
En noviembre de 1944, Las abandonadas estaba lista para estrenarse cuando surge la prohibición de su exhibición. El incidente se resolvió gracias a la intervención de periodistas y críticos cinematográficos, quienes señalaron la incoherencia de prohibir la exhibición de un filme cuyo guión había sido revisado y autorizado por las mismas autoridades censoras. Finalmente, en marzo de 1945 Las abandonadas fue estrenada con gran éxito de público favorecida por el escándalo de su censura.
Leticia Palma como Ada Cisneros de Romano en En la palma de tu mano (1951)
Zoyla Gloria Ruiz Moscoso, mejor conocida como Leticia Palma, fue una actriz representativa en el cine mexicano urbano del arrabal pero fue En la palma de tu mano, dirigida por Roberto Gavaldón, donde logró la consagración definitiva. Su personaje de Ana Romano ha pasado a la historia del cine como una femme fatale con una carga impresionante de sensualidad.
Lilia Prado como Raquel en Subida al cielo (1952)
Fresca y divertida, Subida al cielo es una de las películas más libres y vitales de la filmografía de Luis Buñuel, quien se encargaría de eternizar a Lilia Prado en el imaginario colectivo de los mexicanos gracias a la imagen que la muestran subiendo a un autobús enseñando descaradamente los muslos y exudando una carga sensual que, a medio siglo de distancia, sigue traspasando las pantallas que exhiben Subida al cielo.
Próximamente realizaré un especial de la mujer fatal por excelencia del cine mexicano, la gran María Félix.
Hoy vamos a ver los orígenes de esa mujer mortífera que repele y cautiva, que seduce porque intimida e intimida porque es libre hasta los límites de la moralidad. Su principal destreza: destrozar la vida de un hombre.
Las mujeres fatales han existido, en una u otra forma, en la mitología y el folclore en prácticamente todas las culturas.
Uno de los primeros ejemplos es la diosa sumeria Ishtar.
La religión católica es muy prolífera en cuanto a mujeres fatales, la iconografía referente a varias femme fatale del Antiguo Testamento cristiano es muy amplia. Entre estas mujeres fatales tenemos a Salomé, Dalila y Jezabel.
La filmografía sobre estas diosas e icónos bíblicos no es muy amplia destacándose muy pocos títulos basados en la vida de estas mujeres o al menos inspirados en ellas. A continuación os dejo una muy corta selección:
Sansón y Dalila (Samson and Delilah, Estados Unidos – 1949)
Película que rememora la conocida historia bíblica de Sansón y Dalila. Dalila, una bella y seductora mujer, de la etnia filistea, tiene por misión sustraer a Sansón, héroe hebreo, el secreto de su fuerza portentosa. Para ello, apelará a distintos métodos persuasivos y, subsecuentemente deberá difundirlo entre su pueblo para debilitar y apoderarse del protagonista. La sensualidad de Hedy Lammar como Dalila lidera el aspecto interpretativo de esta cinta.
Veneno para tus labios (Jezabel, Reino Unido – 1951)
Una escritora de novelas de misterio (Bette Davis) está enamorada de un muchacho (Anthony Steel). El marido de ella, un convicto, se fuga de la cárcel y se encuentra con la mujer en los páramos de Yorkshire. Hay una lucha y el reo muere. Otro convicto que también se fugó, se da cuenta que su camarada ha sido asesinado por la escritora. Y acuerda el siguiente pacto: el convicto no dirá nada y accede a ocultar el cadáver, si es que ella acepta que se haga pasar por su esposo hasta que las cosas se calmen.
Salomé (Salome, Estados Unidos – 1953)
Una de las actrices de la que ya hemos hablado en 2 ocasiones anteriores y que tiene un lugar propio en la constelación de Hollywood, Rita Hayworth, interpreta a Salomé, una hermosa princesa forzada a vivir con su padrastro, el rey Herodes. Es una mujer caprichosa que se aburre en Galilea y admira en secreto a un predicador llamado Juan el Bautista. Poco después éste es encarcelado y condenado. Salomé se queda prendada de la fuerza y la serenidad que desprende y para salvar su vida, baila para deleite de Herodes la danza de los siete velos. En realidad toda la trama está dirigida al sensual baile de los siete velos, interpretado con gracia por Hayworth.
El Neo-noir es el estilo de cine que utiliza gran parte de los elementos del cine negro (en inglés Film Noir), pero que trata temas con contenidos actuales ausentes en películas de cine negro de las décadas de 1940 y 1950. El Neo Noir es el resurgir de las mujeres fatales en el cine, aunque esta vez, con un mayor contenido erótico y una carga sexual mucho mayor.
Que la muestra que os traigo hoy hable por si sola.
Instinto Básico (Basic Instinct, USA | Francia – 1992)
Thriller erótico del director holandés Paul Verhoeven que batió récords de taquilla y lanzó al estrellato a Sharon Stone en su interpretación de Catherine Tramell, una mujer fatal sospechosa de una oleada de crímenes. Es uno de los grandes éxitos del cine reciente. Polémica y con morbosas secuencias de sexo pero por encima del erotismo hay una atmósfera de suspense desarrollada al más puro estilo clásico.
Doble Juego (Romeo is Bleeding , UK | USA – 1993)
Doble Juego desde su estreno ha estado condena a la oclusión, nunca se ha hablado de esta genial y revolucionaria obra de Tarantino al estar opacada por el sueño americano interpretado por Tom Hanks en Forest Gump o por otro clásico como Pulp Fiction. Es una película que reúne muy buenos elementos y hoy quiero rendirle un merecido homenaje a esa mezcla del siempre sufrido antihéroe americano con una fría y calculadora femme fatale, interpretada por la bella Lena Olin, en un mundo de corrupción en el que pagan los que no deberían hacerlo.
La última seducción (The Last Seduction, UK | USA – 1994)
La última seducción es la clásica película neo-noir por excelencia. Dirigida por John Dahl la película cuenta con Linda Fiorentino como la mujer fatal, interpretación que le habría valido, de no haber sido estrenada primero en el canal televisivo HBO, para una nominación al óscar por su papel como la femme fatale Bridget Gregory. Tiene una secuela de 1999 pero esta vez protagonizada por la actriz Joan Severance.
Carretera Perdida (Lost Highway, Francia | USA – 1997)
Cinco años después de la decepción de crítica y público de Twin Peaks: Fire Walk With Me, del director David Lynch, volvió a la pantalla grande con esta críptica película de suspenso sobre las identidades confusas y la obsesión erótica.
Fred Madison, un músico de Jazz, recibe una serie de misteriosas cintas de video en las que aparece con su mujer Renée dentro de su propia casa. En la última de ellas, que Fred ve a solas, él está junto a su esposa muerta (la hermosa Patricia Arquette en el doble papel de Renee Madison y Alice Wakefield).
Giro al infierno (U Turn, USA | Francia – 1997)
Giro al infierno es un recorte en las miras de Oliver Stone, si buscas conocer las profundidades de JFK o Nixon te sentirás decepcionado. Se trata de un claro potboiler (o el llamado cine de palomitas, una película de muy baja calidad hecha muy rápido y con la sola finalidad de recaudar dinero y poder pagar los gastos diarios). Es una cinta que va de mala suerte, escorpiones, whisky, perversidad sexual, intimidación, codicia, sudor y muy poco afeitado. Las preguntas básicas en ella son: ¿Quién tendrá sexo? ¿Quién vive? ¿Quién muere? y ¿Quién va a acabar con el dinero? Al final, felizmente, todas estas preguntas son contestadas satisfactoriamente por Jennifer López en el papel de Grace McKenna, una femme fatale digamos que mediocre.
La Dalia Negra (The Black Dahlia, Alemania | USA – 2006)
Scarlett Johansson (Kay Lake) causó sensación desde los primeros pases de La Dalia Negra con su escena de sexo. Crimen y leyenda se encuentran en esta versión llevada a la gran pantalla por Brian De Palma aunque ni su alargada sombra, ni Josh Hartnet, ni el empuje de la ganadora de dos óscars (Boys don't cry y Million Dollar Baby) Hillary Swank, ni la presencia de Scarlett Johansson, ni las habladurías sobre la escena altamente erótica de esta última, evitaron que fuera un rotundo fracaso en la taquilla americana así como una decepción en su premier en la Sección Oficial del Festival de Cine de Venecia.
En la próxima entrega hablaré sobre las femme fatale del cine mexicano.
Hace poco leí la noticia de un nuevo remake de la factoría hollywoodiense basado en el clásico alemán Das Experiment (2001), el nuevo remake cuenta con la participación de Adrien Brody bajo la dirección de Paul Scheuring. A raíz de esto he decidido escribir este post con 3 películas de este subgénero cinematográfico que considero imprescindibles a la hora de hablar del séptimo arte y experimentos psicológicos con grupos humanos, basados o no en sucesos reales.
Sin más os dejo estos 3 títulos.
El experimento (Das Experiment , Alemania – 2001)
Esta cinta alemana dirigida por Oliver Hirschbiegel se basa en el famoso Experimento de la cárcel de Stanford llevado a cabo en 1971 por Philip Zimbardo de la Universidad de Stanford. Es un conocido estudio psicológico acerca de la influencia de un ambiente extremo como es la vida en prisión en las conductas desarrolladas por el hombre, dependiente de los roles sociales de cautivos y guardias que desarrollaban. El experimento real se descontroló en menos de una semana y tuvo que ser cancelado. Esta película es un fiel retrato del mismo.
El cubo (Cube, Canadá – 1997)
Un grupo de personas despierta, sin saber cómo han llegado, en un laberinto compuesto por habitaciones cúbicas idénticas entre sí, algunas de las cuales esconden trampas mortíferas. Cada habitación tiene 6 salidas, una por cada lado del cubo, al abrir cada salida se pasa a una habitación contigua que puede ser una habitación segura o con una trampa mortal. Entre habitación y habitación hay unos números que esconden la clave para salir del cubo.
La película obtuvo en el festival de cine fantástico de Sitges en 1998 los premios a mejor película y mejor guión. Cuenta con una secuela de 2002 Cube 2: Hypercube y una precuela de 2004 Cube Zero.
El examen (Exam, Estados Unidos – 2010)
Ocho candidatos con talento llegan a la fase final de selección para unirse a una misteriosa y poderosa organización. La habitación no tiene ventanas, únicamente hay un controlador que les plantea una simple pregunta. Las reglas son: No abandonar la habitación, no hablar con él y no estropear el folio del examen. El tiempo comienza, los candidatos giran su papel y se dan cuenta que está en blanco…
El guión de El examen es sencillamente brillante, un sinfín de preguntas, teorías, especulaciones, conspiraciones, mentiras y traiciones no dejan al espectador ajeno a la trama impidiéndonos quedar imparciales a los hechos. Este es un drama claustrofóbico, futurista con una premisa intrigante e ideas interesantes. Algunas escenas marcan a Hazeldine como un talento a tener en cuenta.
Existen otras películas del género por si no tenéis suficientes con estas 3, me vienen a la mente Killing Room y Nine Dead. Al final lo de tener un grupo de personas dentro de un recinto cerrado y ver sus comportamientos ante posibles problemas es un tema que engancha. Un poco alejado de este tema, pero con algunos aspectos en común podemos tener la saga de Saw, pero bueno esto es caso aparte.
¿Qué os parecen?